5 choses que je veux dire aux danseurs: costumière

5 choses que je veux dire aux danseurs: costumière

Trucs et conseils Liz Prince a apporté une palette de couleurs unifiée à ces costumes pour l'œuvre de Bill T. Jones  Arnie Zane Dance Company «Spent Days Out Yonder». Photo de Lois Greenfield.

Le prochain dans Dance Informa's «5 choses que je veux dire aux danseurs» séries. Ici, nous recevons des conseils d'un créateur de costumes sur le processus de création et le respect du budget. Revenez dans les mois à venir pour obtenir les conseils d'autres experts!

La créatrice de costumes lauréate d'un Bessie Award, Liz Prince, est peut-être mieux connue pour son travail pour la Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company, qu'elle a costumée depuis 1990. Sa liste complète de crédits, cependant, est aussi longue que votre bras, ou même ta jambe. Voici quelques faits saillants: Doug Varone, Mark Dendy, Jane Comfort, David Dorfman, Ralph Lemon, Baryshnikov / White Oak Dance Project, Boston Ballet, Pilobolus et Trey McIntyre pour l'American Ballet Theatre. Prince enseigne également la création de costumes, notamment au Manhattanville College et à la State University of New York à Purchase.

Voici ses conseils pour une relation de travail productive et inspirée avec votre costumière.



#1. Offrez une direction.

«Les collaborations les plus fructueuses avec les créateurs de costumes commenceront avec les conseils de vous, le chorégraphe», déclare Prince. Cela pourrait être quelque chose de simple. C'est peut-être le type de tissu - léger et fluide, ou lourd et oscillant, par exemple. Un excellent moyen d'unir tous les éléments visuels d'une émission est de déterminer une palette de couleurs dès le début, dit-elle.

Ou pas. «Vérifie pied-de-poule!» était ce qu'un chorégraphe voulait de Prince - avec des fleurs et des métallisés. «Il a fallu un certain temps pour équilibrer tout cela», se souvient Prince, «mais en fin de compte, cela a vraiment fonctionné.

La costumière Liz Prince dans son atelier. Photo de Ken Gabrielson.

La costumière Liz Prince dans son atelier. Photo de Ken Gabrielson.

# 2. Voir c'est comprendre.

Les images visuelles - une photographie, une carte postale ou un tableau, par exemple - seront utiles pour votre créateur de costumes. L'article peut inclure des représentations de vêtements, mais ce n'est pas obligatoire, dit Prince. «Cela peut simplement évoquer une humeur ou suggérer une forme», ajoute-t-elle. Pour collecter du matériel qui amorcera une conversation, elle suggère de visiter des galeries d'art et des musées.

# 3. Montrer et dire.

Qu'une danse soit terminée ou en cours, la regarder en dira beaucoup à votre costumier, selon Prince. Si la danse a une histoire, le créateur peut utiliser le langage des vêtements pour construire les personnages. De tels costumes peuvent communiquer le statut, le sexe, l'âge, l'époque, l'heure de la journée, ce que les personnages se sentent d'eux-mêmes et même la météo, dit-elle.

Pour une danse abstraite, Prince constate que le créateur a besoin de différents types d'indices. Le sens de l’espace et de la forme de la danse, l’éclairage, le décor et plus encore orienteront les choix de costumes.

# 4. Inspirations de tous les jours.

Encouragez votre costumier à observer les vêtements de rue et de répétition des danseurs. «Cela économise du temps et du chagrin», dit Prince. «Le créateur verra les vêtements dans lesquels les danseurs se sentent le mieux, ainsi que ce qu'ils veulent afficher ou couvrir.»

Vous pouvez également demander aux danseurs d'apporter beaucoup de leurs propres vêtements à une répétition, tandis que le créateur de costumes a acheté des vêtements à petit budget. «Demandez aux danseurs d'essayer des choses dans un mix-and-match free-for-all», suggère Prince. Vous et votre designer pourrez peut-être vous installer sur les costumes sur place.

Ou peut-être verrez-vous certaines combinaisons que vous aimez et demandez au créateur d'en créer d'autres à coudre dans un magasin de costumes. Ces magasins sont disponibles dans la plupart des villes. Le créateur peut également coudre les costumes, bien que ce ne soit pas nécessairement le cas, selon Prince.

«La« Quarreling Pair »de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company avait besoin de costumes variés, excentriques, ridicules et magnifiques», déclare Liz Prince. Photo de Stephanie Berger.

«La« Quarreling Pair »de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company avait besoin de costumes variés, excentriques, ridicules et magnifiques», déclare Liz Prince. Photo de Stephanie Berger.

# 5. Du temps et de l'argent.

La façon dont vous allez créer des costumes dépendra en grande partie de votre budget. Les faire sur mesure coûte presque toujours plus cher que de les acheter prêts à l'emploi ou de les assembler à partir d'articles achetés, dit Prince. Le prix des costumes sur mesure varie considérablement, en fonction de la complexité de la conception, du coût du tissu, du nombre de danseurs et d'autres facteurs.

Le temps est un autre problème critique. «Je ne peux pas vous dire combien de chorégraphes m'ont appelé pour déguiser une danse une semaine ou deux avant le spectacle», dit Prince. «Deux ou trois mois est un délai plus réaliste non seulement pour le conseil et la conception, mais aussi pour obtenir des échantillons, acheter les tissus choisis, couper, coudre et ajuster.»

Cela dit, ajoute Prince, costumer une danse fait partie d'un processus créatif qui se déroule en temps réel. «J'ai participé à de merveilleux projets qui comprenaient des modifications jusqu'à la fin», dit-elle. «C'était comme si nous étions rentrés ensemble à la maison lors de la soirée d'ouverture.»

Par Stephanie Woodard de La danse informe.

Photo (en haut): Liz Prince a apporté une palette de couleurs unifiée à ces costumes pour l’œuvre de Bill T. Jones / Arnie Zane Dance Company «Spent Days Out Yonder». Photo de Lois Greenfield.

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