Alvin Ailey American Dance Theatre: sens et motivation de la danse

Alvin Ailey American Dance Theatre: sens et motivation de la danse

Commentaires AAADTs Jacqueline Green et Solomon Dumas dans Ronald K. Brown AAADTs Jacqueline Green et Solomon Dumas dans «The Call» de Ronald K. Brown. Photo de Paul Kolnik.

Théâtre David H. Koch du Lincoln Center, New York, NY.
15 juin 2019.

Dans la danse, il y a le sens du travail en cours (la beauté du mouvement du corps humain étant une signification tout à fait valable). Il y a aussi la motivation de l’artiste - le «pourquoi j’ai fait cette œuvre», si vous voulez. Les deux sont souvent étroitement liés, mais peuvent le plus souvent être analysés séparément. Être clair et intentionnel peut créer un travail vraiment frappant. Il est également frappant de voir comment ces significations et motivations variées peuvent être réunies dans un programme d'œuvres diverses. La saison estivale d'Alvin Ailey American Dance Theatre au Lincoln Center a fait bouger ces choses dans mon cerveau comme un cyclone. Cependant, en faisant l'expérience des œuvres, je ne me suis senti que captivé et satisfait.

Darrell Grand Moultrie «S Une once de foi a ouvert le programme. Un solo d'ouverture, plein de détermination et de puissance, avait le danseur dans le groupe puis devant lui. Le rideau tomba derrière elle alors qu'elle passait devant l'avant-scène. Ce développement a commencé à construire l'idée de l'individu se trouvant, mais à partir d'une base de soutien. Elle a exécuté un motif de mouvement avec une résonance puissante à la signification de la pièce - une penché lente (corps incliné de la tête aux pieds, à 45 degrés) puis une courbure de cette jambe dans la poitrine. Il parlait de franchir cet «acte de foi», d'être audacieux et de faire confiance - mais aussi de revenir de temps en temps à quelque chose de bien ancré et sûr.



Le rideau se leva à nouveau sur le groupe, costumes et éclairages aux couleurs vives et joyeuses (éclairage par Mark Stanley, costumes par Mark Eric). La taille et l'énergie du mouvement avaient la même luminosité et la même joie. Le jeu de jambes était rapide et varié, frénétique mais pas trop à digérer. Geste abstrait mêlé à des mouvements plus techniques, entrelacés mais distincts - comme des couleurs dans une tapisserie. Tout est resté énergique et multiforme, les solos menant à des trios et des cercles menant à des lignes. Puis vint une section qui me parut charmante et sincère, mais plus efficace structurellement si elle était échangée avec la section qui la précédait. Les danseurs se déplaçaient lentement, comme à travers la mélasse, tandis que la voix off décrivait poétiquement le pouvoir de certains ayant une «once de foi en vous», comme quelqu'un l'avait fait à Moultrie lui-même.

Le sens et la motivation de la pièce semblaient alors avoir un sens très personnel pour Moultrie. Pour moi, cette connexion a fait résonner le travail encore plus pour moi. «Parfois, il suffit de se montrer reconnaissant», a déclaré la voix off, qui m'a paru particulièrement résonnante. Bien que cette section et sa précédente section étaient elles-mêmes claires, puissantes et agréables, il me semblait que l'arc narratif et la clarté auraient pu être plus forts avec les deux parties commutées, la section plus lente aurait pu offrir un contexte plus narratif et permettre à l'énergie de se développer. Peut-être Moultrie cherchait-il à varier les qualités énergétiques, ce qui est certainement un objectif légitime.

L'énergie a repris pendant la majeure partie de la pièce, un régal d'énergie et de joie. Unison dans les lignes en solos, il y avait de nombreuses sections variées - pourtant, chacun semblait suffisant, un petit paquet attaché avec un arc soigné. Un autre motif a émergé - de petits sauts avec un pied étendu et fléchi, ainsi que les mains fléchies. En cela, j'ai ressenti de la détermination, de l'action et de la force. Les inflexions culturelles africaines dans la musique et le mouvement se prêtaient à un ancrage dans la qualité du mouvement, même s'il était équilibré avec un ascenseur à travers le corps. Pour terminer, tous les danseurs se sont réunis. Ils étaient résolus et unis. Ils avaient besoin de foi et de communauté pour y arriver, et ils y sont arrivés.

De Ronald K. Brown L'appel suivi, un autre mélange de couleurs et de qualités de mouvement. Cela a commencé avec deux danseurs, et d'autres se sont joints jusqu'à ce qu'il y en ait cinq. Cette accumulation m'a fait penser au titre que c'était si quelque chose appelait les danseurs supplémentaires sur scène. Un sens tournant, circulant bientôt construit, les danseurs se retournant et entrant et sortant de formations circulaires. Le vocabulaire du mouvement, comme les bras droits sortant des épaules, comme les pales d'hélicoptère, a renforcé cette qualité de circulation. On notait également une majesté et une élégance, une calèche classique à travers le corps et des costumes fluides (robes pour les femmes et coupes amples pour les hommes, par Keiko Voltaire). Un élément de groove est entré, la colonne vertébrale ondulante, même avec de la musique de style classique.

Un autre changement de ton est apparu, l'éclairage passant au violet et l'adoucissement du mouvement (éclairage par Tsubasa Kamei). J'ai réfléchi à la façon dont la lavande est une substance naturelle apaisante. Un mouvement fouetté, crémeux-doux, comme les fouettés, a également ajouté à cette qualité plus douce. L'action exagérée de la hanche à travers ces mouvements a cependant gardé un sens d'énergie et d'individualité. Les couleurs et la sensation précédentes sont revenues, ramenant cette sensation groovy. Les cercles sont également revenus. Un autre changement est venu avec la musique classique indienne, avec un autre changement d'éclairage vers le vert et l'orange. L'ondulation de la colonne vertébrale est revenue, maintenant adaptée à la nouvelle musique.

Ce changement dans le mouvement, principalement par le mouvement, a parlé d'un «appel» naturel à l'harmonie créatrice. Les danseurs semblaient également appelés à la danse elle-même, quelle qu'en soit la qualité, pleins de dévouement et d'engagement. Une rotation rapide comme un derviche tourbillonnant est entré, menant à la fin de la pièce de lever - comme pour un éloge. «L'appel» y est devenu un appel spirituel. Je me suis demandé si certaines sections auraient pu avoir plus d'impact si elles étaient plus courtes. Dans l'ensemble, cependant, le travail m'a laissé intrigué mais aussi content.

Jawole Willa Jo Zollar's Abri Vint ensuite, une œuvre riche et étagée de sens. La voix off a parlé d'une expérience d'observation continue de l'itinérance et de toutes les émotions qui peuvent l'accompagner - la tristesse pour la personne, la rage face à une culture qui laisserait cela se produire et la peur d'être un jour dans le même état, et plus encore. . Des déclarations poétiquement évocatrices telles que «l'épuisement avec la paperasserie se mêlant à la rage» m'ont attiré directement.

Le mouvement avait une intensité qui correspondait à la puissance des mots, tout en conservant une organisation (comme dans les formations) pour que tout reste clair et digeste. Les pieds fléchis dans les virages apportaient une sensation de fermeté et de force. Vocabulaire de la danse africaine ancré mélangé à celui de la danse contemporaine, créant quelque chose comme une pâte lisse et soyeuse avec les goûts séparés des ingrédients, tous distincts à la fin, les formes se mélangeaient, mais toujours lisibles dans leur propre nature.

La répétition dans la voix off a ajouté à l'intensité et à la sensation de turbulence mentale. «Courir, marcher, courir, marcher», a-t-il prononcé, partageant le dialogue d'une personne prise dans ces sentiments qui surgissent en voyant un sans-abri. Cela peut sembler tellement plus facile de ne pas y faire face. Certains des danseurs qui couraient littéralement ajoutaient à cette intensité. Une pièce de théâtre sur saute-mouton m'a fait penser à revenir à des conforts innocents et enfantins - dont certains se rapportent à l'évasion et à la diversion, son propre type de course.

Bientôt, il y a eu un passage à la voix off discutant de l'environnementalisme. Si l'on est à l'écoute du discours sociopolitique, ce lien aurait peut-être très bien fait sens (à la «Green New Deal»). Si tel n'est pas le cas, ce changement thématique et cette association auraient pu sembler discordants. Certes, même en tant que l'une de ces personnes très à l'écoute du discours contemporain sur la politique et la politique, la connexion m'a pris un moment.

D'autre part, le titre de Abri offre un indice sur la façon dont l'environnementalisme et l'itinérance sont liés, la terre est notre maison, notre abri, tout comme nos maisons littérales sont notre abri. La signification de Jo Zollar était limpide, et il semble que sa passion pour ces questions soit également assez claire. Parfois, lorsque la passion mène à une motivation claire pour faire du travail, le reste est quelque chose de vraiment mémorable et significatif. Le programme s'est terminé par Révélations , sans doute l'un des plus - sinon les le plus - un travail mémorable et significatif de danse contemporaine jamais réalisé. La motivation pour illustrer le sens peut en effet être une chose puissante.

Par Kathryn Boland de La danse informe.

Partagez ceci:

Ailey , Théâtre de danse américain Alvin Ailey , revue de danse , Darrell Grand Moultrie , Jawole Willa Jo Zollar , Keiko Voltaire , Lincoln Center , Mark Eric , Mark Stanley , revoir , Commentaires , Ronald K. Brown , Tsubasa Kamei

Recommandé pour vous