Un programme d'automne ABT: bouger et se relier, à travers les âges

Un programme d'automne ABT: bouger et se relier, à travers les âges

Commentaires Hey Seo dans Jessica Lang Hee Seo dans «Garden Blue» de Jessica Lang. Photo de Rosalie O’Connor.

Théâtre David H. Koch, New York, NY.
23 octobre 2019.

Bouger, aimer, manger, dormir - il y a des actions qui ont toujours été fondamentales pour être humain. Nous les faisons tous de différentes manières, cependant, et nous l'avons fait à travers les âges. La danse - viscérale, narrative ou non narrative, infiniment adaptable esthétiquement - peut mettre un miroir à ces expériences afin que nous puissions prendre du recul et les voir vraiment. L'American Ballet Theatre (ABT) a présenté des œuvres de trois chorégraphes différents dans ce programme, tous présentant un point de vue différent sur ces aspects fondamentaux de l'être humain, à partir de différents endroits de la chronologie humaine, tous en mouvement. Le résultat était significatif d'un point de vue esthétique et conceptuel, à la fois stimulant et agréable.

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James B. Whiteside Nouvelle romance américaine était plein de joie, de jeu et d'harmonie esthétique. Whiteside est un principal d'ABT qui commence à construire un portfolio chorégraphique et une voix unique. L'œuvre a été créée pour la première fois au Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO). Il y avait quelque chose d'assez moderne dans sa sensibilité, mais aussi quelque chose d'assez classique. L'équilibre entre les deux parlait d'avancer dans le monde, mais aussi de s'accrocher aux vérités fondamentales du monde et de nous-mêmes (individuellement et en relation les uns avec les autres).



ABT dans James B. Whiteside

ABT dans «New American Romance» de James B. Whiteside. Photo de Rosalie O’Connor.

Le rideau rose et une palette de couleurs de lavande et de bleus m'ont immédiatement fait me sentir plus paisible et contemplatif. Le groupe a grandi au fur et à mesure que les danseurs couraient sur scène, jusqu'à ce qu'ils atteignent une formation avec des danseurs tournés vers l'avant et regardant attentivement vers l'avant. Ils levèrent les bras au cinquième en haut - simples, clairs, résolus. Le groupe s'est dissous, un pas de deux occupant le devant de la scène. Une belle harmonie de musique et de mouvement se jouait, comme une extension gracieuse d'une jambe avant vers l'avant dans un ascenseur alors que la note de musique se déroulait ainsi.

D'autres sections allaient et venaient, ayant parfois l'impression de le faire un peu rapidement pour moi parfois s'attarder dans une section un peu plus longtemps peut permettre à son énergie de se développer et au public de la connaître et de la savourer un peu plus. Pourtant, ce changement rapide a également aidé à construire le thème et l'énergie d'illustrer les jeunes, agités et vifs. Whiteside a façonné un beau canon et un contraste de niveaux pour renforcer cette sensation dynamique.

Un trio mémorable de ballerines en particulier a offert ces éléments, avec un demi-tour - jambe étendue à 45 degrés vers le haut et vers l'avant - dansé par les trois sur trois chefs d'accusation distincts, et plus tard une pose agréable tenue pour quelques comptes avec eux à bas, à mi-chemin, et des niveaux élevés. Le geste a également apporté un sentiment d'unité dans laquelle les ballerines se tenaient la main pendant qu'elles exécutaient des arabesques piquées basses, et croisaient ensemble les poignets en tenant les bras en cinquième en haut.

Des ambiances différentes, issues des qualités de la musique, du mouvement et de la théâtralité des danseurs, se sont également développées à différents moments. Le solo d’une ballerine offrait un peu plus de courage et de courage que l’œuvre n’en offrait auparavant. Un trio avec deux danseurs et une ballerine était plus doux et un peu plus contemplatif. Trois danseurs sont montés sur scène pour montrer leur bravoure et leur puissante confiance. Toutes ces différentes humeurs et points de vue ont créé une fenêtre sur les différentes façons dont les gens peuvent être en eux-mêmes et ensemble, se déplacer dans l'espace. Pour finir, un groupe plus large s'est assemblé en forme circulaire, évoquant le bon fonctionnement d'un système harmonieux même avec toutes ces manières d'être individuelles et collectives séparées - passé, présent et futur. Tout cela était encourageant et édifiant.

Le travail de Jessica Lang, Bleu jardin , suivi. À bien des égards - esthétiquement, énergétiquement, conceptuellement - cela ressemblait à un tableau de Salvador Dali animé par la danse. Fait partie de ABT’s Women’s Bouge toi ment, un programme destiné à nourrir les chorégraphes émergentes, l'œuvre a été créée le 19 octobre 2018. Ce qui m'a d'abord frappé, ce sont des formes oblongues posées sur la scène et volant au-dessus de leur tête (scénographie par Sarah Crowner). Quelque chose à ce sujet me parlait des horloges qui fondaient dans l’œuvre emblématique de Dali. Le fond en vert, bleu et blanc me parlait de la nature.

Les danseurs portaient des uniformes de toutes les couleurs, aidant à créer une palette de couleurs à multiples facettes, un arc-en-ciel dansé sur la scène dans des sections de groupe plus grandes avec des danseurs répartis sur elle. Ils se sont déplacés à travers l'espace, marchant à des vitesses différentes. Ils ont alors commencé à se déplacer avec une stylisation plus technique - dans le vocabulaire du mouvement classique, mais avec des changements melty, «ooyey-gooey» à travers le torse qui rappellent un idiome de mouvement plus contemporain.

En regardant ce mouvement, j'ai pensé aux traits curvilignes des peintures contemporaines. Les formes décentrées ont apporté une asymétrie intrigante. Les extensions de bras et de jambes frappent les accents musicaux de manière séduisante. Les bras ont frappé à mi-chemin et tout le long avec des notes de musique. Un danseur fait tourner son partenaire assis, les orteils relevés, tandis qu'une note plus longue est jouée.

Que ce soit à l'unisson ou en petits groupes à l'unisson, les danseurs ont fait bouger l'image de la scène de manière dynamique.

Une partie de cette action dynamique était également la façon dont les danseurs déplaçaient de temps en temps ces décors oblongs, créant une nouvelle scénographie - et là-dedans une nouvelle sensation visuelle et énergétique. Une autre partie de l'action dynamique ici était la façon dont le timing et la qualité changeraient avec les changements tonaux et temporels dans la musique.

Au cours de ces changements, les danseurs ont commencé à prendre des personnalités et à devenir leurs propres personnages. De petits moments théâtraux ont commencé à se jouer. Un de ces danseurs portait du blanc ainsi que d’autres couleurs, ce qui me signalait une intégration des qualités de ces autres personnages. Bien qu'il y ait eu des moments de tension qui l'ont précédé, la fin a apporté l'harmonie et l'unité au sein du groupe - l'intégration de ce personnage s'est déroulée dans le temps et l'espace. Les parallèles esthétiques, énergétiques et esthétiques avec le travail de Dali ont lié le travail à une ère moderne d'après-guerre mondiale pour moi, mais certains aspects de celui-ci étaient sans aucun doute intemporels. Cette qualité temporellement spécifique, mais fluide, me semble être une qualité d'une grande spécificité artistique la rend réelle, et la fluidité la rend plus universellement applicable.

Gemma Bond Il y avait un temps nous a ramenés au Moyen Âge, mais si nous le regardions à travers des verres aux teintes modernes. Les costumes étaient dans des tons de terre, dans un style médiéval mais avec des touches contemporaines. L'éclairage avait une teinte de couleur terre pour correspondre, comme la lumière de la fin de l'après-midi en automne. La partition de Benjamin Britten faisait écho aux rythmes et aux tons que nous associons à l’époque médiévale, comme l’harmonie d’un clavecin - mais le modernisme est perçu dans certaines inflexions atonales et d’autres éléments similaires plus contemporains.

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Cassandra Trenary et Cory Stearns dans Gemma Bond

Cassandra Trenary et Cory Stearns dans «A Time There Was» de Gemma Bond. Photo de Rosalie O’Connor.

Comme dans les deux œuvres précédentes, des changements dans les qualités énergétiques et esthétiques ont façonné l'atmosphère et l'humeur - avec clarté et intrigue. Par exemple, une ouverture dramatique pleine et vaste s'est dissoute en quelque chose de plus doux que la sensation d'une séquence de groupes plus petits. Les personnages ont commencé à se développer à travers des moments théâtraux, comme dans l'œuvre précédente. Le geste a aidé à créer ces moments, tandis que des mouvements techniquement plus «grands» et traditionnels - tels que des ascenseurs expansifs roulant en douceur dans le sol ou atterrissant dans une arabesque magnifiquement soulevée - ont maintenu une énergie dynamique et une intrigue visuelle.

Pourtant, j'ai trouvé ce travail qui résonnait moins en moi que les deux précédents. Peut-être que la spécificité temporelle a en fait nui à mon expérience de celui-ci, assez étrangement peut-être que mon esprit a aimé remplir les blancs plutôt que de donner le texte intégral. Fait intéressant, la fin de Bond semblait offrir du temps pour une telle réflexion sur l’interprétation personnelle que les danseurs sont sortis, un par un, mais la scène est restée allumée et le rideau est tombé.

Avec quoi nos esprits pourraient-ils remplir la scène à ce moment-là, colorés par notre perspective sur ce qui venait de se passer là-bas? Comment ces perspectives pourraient-elles se rapporter à ce que nous imaginons des personnages que nous venons de rencontrer, et dans quelle mesure nous-mêmes - et les points communs entre les deux? La danse dans l'espace, dans le temps - passé, présent et futur - peut nous amener à une telle réflexion, souvent sur les choses mêmes qui nous rendent humains. L’émission d’ABT de ce soir a rendu cette vérité indéniable.

Par Kathryn Boland de La danse informe.

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