Ballet progressant et RISE-ing: «The Future Starts Today» du American Ballet Theatre

Ballet progressant et RISE-ing: «The Future Starts Today» du American Ballet Theatre

Commentaires David Hallberg dans Pam Tanowitz et Jeremy Jacob’s David Hallberg dans Pam Tanowitz et «David» de Jeremy Jacob. Photo de Pam Tanowitz et Jeremy Jacob.

23 novembre 2020.
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À certains moments, la danse a été à l'avant-garde du changement social et de l'innovation. À d’autres moments, nous l’avons vu franchement à la traîne. Parfois, les artistes et les administrateurs ont eu du mal à équilibrer le respect de la tradition et à laisser derrière eux des parties de cette tradition qui ne nous servent plus. Parfois, ils ont fait cela remarquablement bien. Pour avoir un message et un sens qui résonnent avec le monde dans lequel il se trouve, la danse doit évoluer avec ce monde. L'American Ballet Theatre (ABT) est une compagnie, parmi d'autres, qui démontre sa volonté d'aller de l'avant avec les temps qui changent rapidement.

Son virtuel L'avenir commence aujourd'hui a présenté quatre premières avant-gardistes de chorégraphes de renom, et décrit son nouveau programme RISE - «Representation and Inclusion Sustain Excellence» - visant à faire avancer l'entreprise en ce qui concerne le travail de représentation et d'inclusion à tous les niveaux de l'entreprise. Un montage mettant en vedette diverses voix de la société ABT et du personnel a détaillé les étapes que chacune de ces personnes prendra dans le cadre de ce programme, ce qui rend tout cela clair et tangible. Les premières œuvres ont également démontré un haut niveau de conscience du moment culturel. C'était un travail qui pouvait parler de ce moment, et qui avait donc le potentiel d'offrir tout ce que la danse peut faire aux personnes qui en font l'expérience.



Carlos Gonzalez, Thomas Forster, Katherine Williams et Breanne Granlund dans Gemma Bond’s

Carlos Gonzalez, Thomas Forster, Katherine Williams et Breanne Granlund au «Convivium» de Gemma Bond. Photo par Matador Content.

La première première du programme était celle de Gemma Bond Fête. Dans son intro à la pièce, Bond a partagé qu'elle voulait que ce soit une pièce de célébration, mais elle a réalisé que cela ne se sentait pas approprié en cette période de difficultés pour tant de gens - alors la pièce est devenue l'expérience des danseurs à travers cette fois. Ce thème me transparaissait dans le calme relatif et la solitude de la pièce. Une pièce instrumentale semblait n'avoir pas plus de deux instruments à jouer à la fois, et les quatre danseurs pouvaient être vus comme représentant l'intégralité du cercle social en personne pendant cette période. Les sections solo avaient encore plus d'agitation et de turbulence, des mouvements rapides et dynamiques. Cela m’a rappelé ces moments où nous disons que nous allons bien avec les autres, mais que nous agonisons en nous-mêmes ou que nous ne révélons nos luttes internes qu’à ceux qui sont les plus proches de nous.

La gamme tonale et stylistique des sections à venir a compliqué cette notion pour moi, mais Bond était plutôt, ou aussi, peignant une image de la complexité des pensées et des émotions à travers cette période totalement imprévisible et difficile. Dans l’ensemble, je n’identifierais pas le mouvement comme des ondulations de la colonne vertébrale classiques ou contemporaines et le relâchement dans la gravité étaient des marqueurs d’une esthétique contemporaine, tandis que les longues lignes tournées et les ascenseurs classiques reflétaient le classicisme. L'esthétique évocatrice a également brillé à travers l'œuvre - une qualité grise à travers un film noir et blanc et des costumes en gris, noir et blanc - rendant la sensation de gris de cette époque dans notre monde visuel, et donc plus tangible.

La prochaine première était celle de Christopher Rudd Touché . Rudd a révélé dans son introduction qu'il s'agissait d'une peinture explicite dans la danse de l'amour gay, dont beaucoup de gens dans notre société se considèrent tolérants mais ont une réaction intolérante quand ils le voient devant eux. Les deux danseurs se sont produits sur une scène spartiate - juste Marley et l'éclairage de base, une partition instrumentale lugubre les accompagnant. Ils ont parfois dansé avec une sensation de poids lourd, un poids comme celui de la marginalisation et de ne pas être entendu.

Calvin Royal III et João Menegussi dans Christopher Rudd’s

Calvin Royal III et João Menegussi dans «Touché» de Christopher Rudd. Photo par Matador Content.

Les ascenseurs et les mouvements de transition entre eux étaient étonnamment innovants et mémorables, leurs corps emmêlés et démêlés de manière totalement inattendue et totalement inédite. Rudd et les danseurs semblaient avoir rassemblé toutes les manipulations disponibles des lois physiques de la Terre pour les rendre possibles. La danse a ralenti et est devenue encore plus tendre et intime vers la fin de l'œuvre. Dans les bras l'un de l'autre, ils flottaient et glissaient. Tout se sentait possible grâce au pouvoir de l'amour.

Plus tard est venu David par Pam Tanowitz et dansé par l'ancien directeur de l'ABT David Hallberg. Les choix de conception de Tanowitz ont créé une atmosphère d'élégance médiévale, dans la maison de Hallberg et dans la structure sur l'eau - quand il portait un costume rayé, reflétant ceux des chevaliers d'autrefois. Les plans alternaient entre les deux endroits, l'éclairage brillant et éthéré dans les deux. Dans les deux cas, il y avait un sentiment d'appartenance à un autre monde. Pourtant, le mouvement des piétons sur la structure de l'eau et les actes quotidiens dans sa maison l'ont ancré dans le banal.

Il y avait aussi une méta-qualité car il marquait physiquement et mentalement le mouvement, et nous avons même vu des schémas de travail chorégraphique - tous très intrigants et ancrés dans le quotidien. Il y avait une tension entre la magie de la performance et l'existence réelle du danseur. L'autre-mondain transparaissait également chez Hallberg en tant que moteur, ses lignes étaient longues et souples et chaque mouvement aussi facile que la respiration, le mouvement aussi simple mais résonnant. Il avait également une humilité et une gentillesse envers sa présence qui l'ont ancré comme un véritable humain. Cette dynamique résonnait comme une autre tension d'opposés.

La métaphore de David comme David , La sculpture emblématique de Michel-Ange, a également résonné. Le corps de Hallberg représentait un vaisseau pour un art magistral, l'argile dans laquelle Tanowitz a insufflé la vie, mais dans le film, nous avons également vu Hallberg comme pleinement humain. À un moment donné, Hallberg regardait une photographie de David dans un livre de table basse, déplaçant la métaphore à juste court d'explicite. À la fin du travail, des questions philosophiques et pratiques sur l'art de la danse, les danseurs et une vie en danse se sont posées dans le fond de mon esprit, mais mon esprit s'est également tout simplement réjoui de l'art proposé.

Betsy McBride et Jacob Clerico dans Darrell Grand Moultrie’s

Betsy McBride et Jacob Clerico dans «Indestructible Light» de Darrell Grand Moultrie. Photo par caméra de danse.

Darrell Grand Moultrie Lumière indestructible a terminé la soirée des premières avec un bang joyeux et vibrant. La musique jazz et les inflexions de danse jazz ont créé une atmosphère joyeuse dans laquelle il était impossible de ne pas sourire et de ne pas bouger un peu son corps en le regardant. Une section de groupe animée a commencé le travail. Une formation en cercle a construit un sentiment de continuité et de communauté, d'avancer ensemble. Cela s'est déplacé vers une ligne, qui a fait penser à quelque chose de plus de présentation et de confiance. Les qualités de danse jazz massées dans la technique du ballet classique, telles que le roulement des hanches lorsque les pieds bougeaient en demi-pointe entre les arabesques et les pirouettes, étaient un effet incroyablement agréable - à la fois visuellement et énergiquement.

À cette époque, c'était aussi tout simplement incroyable de voir des danseurs sur une scène, éclairés et espacés de manière experte dans leurs formations. Les costumes, aux couleurs sombres et aux coupes audacieuses mais lisses, avaient la sensation d'un speakeasy modernisé des années 1920 - Chicago mais sans le raunch intentionnel. Le travail de la caméra était tout aussi amusant, créatif et techniquement solide que la danse. La section s'est terminée avec les danseurs qui entraient et sortaient des ailes et faisaient des signes en bougeant, une touche qui m'a rappelé que nous ne sommes jamais trop vieux pour être joueurs.

La section suivante de quatre danseurs était plus sensuelle. Il m'a fallu une minute pour me rendre compte qu'ils étaient dans les coulisses, contre un long et grand mur vert foncé. Le mouvement jouait assez bien la qualité bidimensionnelle du mur, ils faisaient face directement à l'avant ou sur le côté alors qu'ils roulaient les hanches, ondulaient les épines et posaient ensemble. Cette section est passée à une section plus tendre et plus lente, commençant par un solo et se terminant par un duo. La musique et le mouvement étaient plus lents et de qualité plus pensive, mais le mouvement n'était pas moins dynamique et mémorable.

Dans l'ensemble, la gamme émotionnelle de la pièce était véridique, honnête et esthétiquement satisfaisante. Le casting complet est venu pour terminer la section, tout aussi joyeux et énergique qu'ils ont commencé la pièce. Leur lumière était indestructible en effet! Au-delà de cela, Moultrie a présenté la pièce avec un encouragement pour nous tous à travailler ensemble vers le changement. Son travail a renforcé la vérité selon laquelle c'est non seulement possible, mais peut être très gratifiant et amusant pour nous de faire cela. La nuit des premières a reflété cette vérité, elle a clairement montré qu'ensemble, avec réflexion et engagement, nous pouvons avancer ensemble - et cela peut être un moment formidable!

Par Kathryn Boland de La danse informe.

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