Classicisme et modernisme en conversation: «Revisionist History II» du Brooklyn Ballet

Classicisme et modernisme en conversation: «Revisionist History II» du Brooklyn Ballet

Commentaires Ballet de Brooklyn. Ballet de Brooklyn.

The Actors Fund Theatre, Brooklyn, New York.
13 février 2020.

Dans cet âge post-postmoderne, le moderne et le classique sont célébrés et critiqués. Tous les styles et qualités sont justes à explorer. Les conventions et les valeurs que révèlent les œuvres classiques et modernes - qu'elles soient présentées ensemble ou séparément - parlent de questions telles que la représentation, les privilèges et le pouvoir. Nous pouvons voir comment notre culture a changé et évolué, et comment elle ne l’a pas fait. Brooklyn Ballet's Histoire révisionniste II a parlé avec audace de ces manières, à travers le concept et d'autres choix créatifs.



Un restaging de l'iconique Pas de Quatre a présenté quatre femmes de couleur (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer et Courtney Cochran), une déclaration puissante sur la représentation et la race dans le monde du ballet et au-delà. Après cela, un quatuor avec quatre hommes de couleur dansant différents styles de hip-hop - à peu près aussi différents du travail original de ballet romantique que l'on pouvait obtenir tout en restant dans la même structure. La nuit s'est fermée avec Intersection , une œuvre parlant de la condition urbaine moderne de mouvement constant et de manque de vraie communauté - ballet contemporain avec une base classique solide.



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Pas de Quatre a commencé dans ce tableau archétypal - niveaux, regards et port de bras merveilleusement conçus pour l'harmonie esthétique ainsi qu'un équilibre de connexion et de solitude pour chaque danseur. La concentration engagée des danseurs était immédiatement claire. Leurs costumes étaient dans le même thème (en couleur, en style de conception, en matière), mais chaque danseur portait quelque chose de légèrement différent - donnant à chacun un signe concret d'individualité.

Ils se sont déplacés à travers des sections solo, duo et groupe, offrant tous leur propre qualité de mouvement et esthétique. Un danseur était particulièrement doux et clair. L'un est venu avec un sentiment d'attaque focalisée et accentuée. Un autre avait un sentiment quelque peu doux de fondement. Une autre encore avait une présence distinctement joviale et timide, et une vivacité dans ses mouvements.



Il y a eu plusieurs hésitations à tour de rôle, et je me suis demandé si la chorégraphie aurait pu être modifiée pour éviter cela. Cela a nui à la belle chorégraphie classique et à la présence sans faille des quatre danseurs. D'un autre côté, peut-être était-ce dû aux conditions du lieu - comme un sol glissant ou un éclairage rendant le repérage difficile.

Dans l'ensemble, cependant, les danseurs ont offert une individualité audacieuse et féroce ainsi qu'une grâce harmonieuse. Ils étaient totalement à l'écoute de leur groupe et de leurs partenaires. J'entendais leurs pointes à travers la scène. L’enseignement technique strict dit que vous ne voulez pas entendre cela, mais cet effet a offert une autre couche auditive que j’ai appréciée. Toutes les formations étaient structurellement claires et visuellement agréables.

Le travail s'est terminé dans un tableau, comme il a commencé - les quatre femmes comme leurs propres esprits uniques mais dans une communauté joyeuse et harmonieuse les unes avec les autres. J'ai réfléchi sur la puissance de l'imagerie ici, quatre femmes de couleur dansant dans une œuvre iconique, cette nature iconique spécifiquement blanche. Je me demandais quel enfant de couleur - ou personne de couleur de tout âge, d'ailleurs - qui venait au spectacle pourrait pour la première fois se voir dans le ballet et être inspiré pour enfiler des ballerines.



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Quatuor suivi de la chorégraphie des danseurs et du concept de Lynn Parkerson (directrice artistique du Brooklyn Ballet). Quatre hommes de couleur (Michael «Big Mike» Fields, James «J-Floats» Fable, Bobby «Anime» Major, Ladell «Mr. Ocean» Thomas) ont dansé dans une structure similaire à Pas De Quatre - chacun dans sa propre signature sous l'égide plus large du mouvement hip-hop. L'un se déplaçait dans un style «fléchissant», pliant et plaçant les joints d'une manière qui ne semblait pas humainement possible. Un «sauté et verrouillé», accentuant avec force puis relâchant. Un autre tendit les muscles de sa poitrine, de ses fesses et de ses bras de manière comique et légère, faisant rire le public. Encore un autre avait un style plus doux, plus lyrique, ondulant doucement et coulant à travers ses articulations avec les battements.

De façon intéressante, Pas De Quatre traduit du français par Quatuor . Ils ont commencé et se sont terminés dans un tableau de niveaux et de formes variés, tout comme la pièce précédente. Comme une variation sur les sections dans Pas de Quatre lorsque les danseurs tournaient en rond, tournés vers l'extérieur, les hommes faisaient de même mais sur les pieds plats et alternaient les niveaux avec les bras pliés aux coudes (ce qui était visuellement et énergiquement agréable) . La musique a commencé et s'est terminée sur la même partition que Pas de Qu à rte , mais entre «R & B» et des airs hip-hop accompagnaient les danseurs.

Il y avait aussi des moments plus humoristiques et théâtraux dans cette œuvre que dans la pièce précédente, soulignant la place accrue de la théâtralité manifeste dans la danse moderne, post-moderne et post-post-moderne. Pourtant, comme la pièce précédente, elle a fortement remis en question les conceptions classiques et sociales de l'art de la danse en offrant une alternative agréable et bien faite - en plus d'être dans une structure très similaire.

Intersection suivi, un travail réfléchi et bien conçu sur la condition urbaine moderne de mouvement constant et de manque de connexion humaine authentique. Parkerson a chorégraphié cette œuvre. Les danseurs entraient et sortaient, se déplaçant à travers des sections appariées. L’audio des messages du MTA (le système de transport en commun de la ville de New York) a sonné dans le théâtre. Les danseurs portaient des vêtements de tous les jours stylisés, chacun dans une tenue légèrement différente (mais avec des pièces et des motifs similaires). Tous ces choix et qualités se sont réunis pour former l'illustration de personnes se déplaçant activement et rapidement dans un espace urbain.

Les femmes portaient des pointes et dansaient dans un style plus classique, tandis que les hommes dansaient dans un style plus hip-hop. Parkerson a fait appel à des aspects linéaires dans les deux styles de mouvement pour créer un partenariat convaincant - comme un motif d'hommes avec leurs bras tendus comme support et leurs partenaires en arabesque derrière eux. À d'autres moments, ils déplaçaient leur torse à travers des carrés que les hommes faisaient également avec leurs bras. Un autre motif mémorable était que les partenaires se faisaient face et les femmes roulaient jusqu'à la pointe complète puis redescendaient à plat - simple mais propre, intrigant et mémorable.

Les danseurs ont continué à se déplacer à travers différentes formations et groupements, ces messages d'interphone MTA jouant par intermittence. Quand ce n’était pas le cas, le violoncelle (de Malcolm Parson) et la batterie (de Killian Jack Venman) accompagnaient les danseurs. Les tonalités résonnantes de ces instruments ont apporté une impression de quelque chose de plus profond sous la présentation extérieure des navetteurs en mode agité et la myriade de stimuli sensoriels présents pour les habitants des villes lorsqu'ils se déplacent.

Les danseurs sont sortis individuellement et en groupes, et les lumières se sont éteintes. Le travail s'est terminé, mais il avait laissé une nouvelle vibration dans la pièce. Les éléments classiques et modernes de sens et d'esthétique avaient ensemble vraiment laissé une impression. Nous pouvons honorer le passé tout en travaillant pour corriger ses torts préjudiciables, du mieux que nous pouvons. L'art peut être un point de départ.

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Par Kathryn Boland de La danse informe.

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