Est-ce important ce que nous appelons cela? Styles de danse, jargon, tradition et innovation

Est-ce important ce que nous appelons cela? Styles de danse, jargon, tradition et innovation

Articles de fond Hana Kozuka. Photo de Richie Babitsky. Hana Kozuka. Photo de Richie Babitsky.

«Personne ne sait plus ce qu’est« contemporain »,« moderne »ou« jazz ».» Avez-vous déjà entendu cela? Cet écrivain a. Elle l'a peut-être même dit elle-même à quelques reprises. C'est peut-être exagéré, mais il n'en reste pas moins que de nombreux artistes et professeurs de danse mélangent de telles formes et créent ainsi quelque chose de nouveau. Perdons-nous en conséquence l'intégrité et la clarté des techniques classiques codifiées - et un tel mélange doit donc être fait avec prudence et réserve? En revanche, ce mélange de formes ouvre-t-il un espace de collaboration fructueuse - et donc à encourager? Pour ceux qui se soucient de l'épanouissement de l'art de la danse dans le futur ainsi que de la préservation de sa tradition, ces questions semblent ne pas être prises à la légère.

Pour approfondir ces questions, Dance Informaspoke avec quatre artistes de la danse: Hana Kozuka, danseuse / chorégraphe basée à Los Angeles Bettina Mahoney, directrice fondatrice de Productions de danse de force et l'éducatrice en danse Tracie Stanfield, directrice fondatrice de Synthesis Dance, basée à New York, et Taylor McLean Bosch, directrice artistique de Nitrogen: The Company et d'éducatrice en danse basée à New York / Long Island. Allons-y!

Taylor McLean Bosch.

Taylor McLean Bosch.



Pourquoi cette variété de styles? Y a-t-il un impact plus important dans le monde de la danse?

harlem de Jacob

Stanfield estime que «la fusion des styles (sous-styles) est, en un sens, une réflexion ou une réponse au monde dans lequel nous vivons. Notre société, plus que jamais, valorise l'individualité, la personnalisation et l'autonomie. Les artistes ne sont pas contraints par les «règles» ou la méthodologie du passé. » La pensée de McLean Bosch est ici similaire. «Tout le monde essaie de trouver sa voix», pense-t-elle. Kozuka note que cette prolifération de styles amène «tellement plus de choses à fusionner».

D'autre part, Stanfield décrit comment nous pouvons voir cette tendance comme une autre vague de prolifération de styles / techniques qui s'est produite avec la croissance des techniques et du répertoire de Graham, Horton et Limón - mais avec «une différence principale étant qu'il n'y a pas de système fondamental pour chaque sous-style ou technique, il dépend uniquement des valeurs et des préférences du chorégraphe / des professeurs. » De plus, cette prolifération se produit de nos jours dans «la rue, le jazz et les styles de ballet », dit Stanfield. Par exemple, il y a eu une floraison de classes dans des sous-styles tels que «jazz contemporain», «fusion contemporaine», «rue contemporaine», «ballet contemporain» et «jazz lyrique».

Hana Kozuka. Photo de Peter Yesley.

Hana Kozuka. Photo de Peter Yesley.

Pourtant, certains enseignants s'identifient et se promeuvent non pas par un style conventionnel qu'ils enseignent, mais plutôt par leur propre style de mouvement / qualité et marque. À leur tour, les élèves peuvent se tourner vers les noms et les marques des enseignants plutôt que sur les styles pour décider des cours à suivre - comme l'atteste Kozuka, c'est sa norme. 'Il est difficile de mettre une étiquette sur les choses de nos jours!' elle dit. Elle cite les médias sociaux comme un moteur de cette tendance à créer une marque. En tant qu’enseignante, McLean Bosch croit qu’elle a un style et une esthétique uniques, mais elle dira qu’elle est une enseignante «contemporaine» si c’est ce que recherchent les employeurs.

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Il y a une tension entre le mode de branding de l'artiste et celui des entreprises basées sur la danse, mais Mahoney décrit comment elle doit nommer certains cours de professeurs pour ses conventions, même s'ils n'aiment pas que leur style soit «catégorisé». «J'ai une entreprise et je dois faire de la publicité», affirme-t-elle. Validation de ce point, McLean Bosch souligne que les conventions perdent des affaires en n'offrant pas de cours «contemporains». Dans le même temps, des concours ont classé ses pièces comme «modernes» - alors qu'elle pense que son travail est plus «contemporain» que «moderne».

C'est un problème? Est-ce que c'est une bonne chose? Est-ce les deux? Qu'est-ce qu'il est important de garder à l'esprit, en termes d'approches pédagogiques, chorégraphiques, branding?

Mahoney s'inquiète quand il s'agit d'étudiants en danse ayant une base de technique codifiée ou non «vous ne pouvez pas sortir du livre si vous n'avez pas le livre en premier lieu», affirme-t-elle. Une partie de cette incorporation importante de styles de danse conventionnels chez les jeunes étudiants est enseigner l'histoire de la danse - d'où proviennent ces formes dans le contexte historique global. «Alors les étudiants peuvent savoir que le contemporain est né du postmoderne et le postmoderne du moderne, par exemple», affirme Mahoney. Pour elle, le respect et la maîtrise de telles formes - et leur héritage historique - rend la chorégraphie, la performance, la pédagogie et plus encore plus fortes. Comme le dit le vieil adage, vous devez connaître les «règles» avant de pouvoir les «enfreindre».

Bettina Mahoney.

Bettina Mahoney.

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Kozuka et McLean Bosch considèrent finalement cette tendance de mélange et de prolifération de styles comme une bonne chose, quelque chose qui peut permettre aux artistes de trouver leurs véritables voix créatives et de faire un travail merveilleux. Kozuka pense qu'au lieu de se sentir obligé de mettre les choses dans des «boîtes», il est en notre pouvoir de fabriquer de nouvelles boîtes. 'Si [les nouveaux styles] résistent à l'épreuve du temps, alors ils resteront - ou ils ne le feront pas', pense-t-elle. 'Cela va juste arriver - de nouveaux styles émergeront, et les genres plus anciens deviendront obsolètes', déclare McLean Bosch.

Stanfield valide la découverte de son propre style de mouvement 'même aucune règle n'est une règle.' Elle applaudit l'espace pour la créativité et la liberté, et souligne que l'innovation apporte toujours la peur du changement (comme «les grognements de [ubitquity] des téléphones portables»). En fin de compte, Mahoney pense que les artistes de la danse apportent leur propre histoire du mouvement, issue des qualités uniques des professeurs et des chorégraphes avec lesquels ils ont étudié et dansé. Kozuka souligne également ce point. Incarner, et à partir de là transmettre, l'héritage stylistique et technique semble être quelque chose à encourager - car c'est ainsi que le domaine de la danse est devenu ce qu'il est.

Tracie Stanfield enseigne au Broadway Dance Center.

Tracie Stanfield enseigne au Broadway Dance Center.

Comment le monde de la danse profite-t-il de cette tendance?

Stanfield souligne le défi pour les danseurs que tout cela peut créer - devoir s'entraîner dans «tous les styles». «Quand tout est important, finalement rien n’est important.» elle croit. Ainsi, des conversations plus approfondies sur ce qui est faisable et accessible pour les danseurs sembleraient nécessaires. En ce qui concerne les tensions entre les artistes qui enseignent la danse et les chefs d'entreprise, comme ceux que McLean Bosch et Mahoney ont décrits, peut-être qu'un tel dialogue pourrait y contribuer. Les deux parties pourraient exprimer leurs besoins et leurs désirs, et trouver un terrain d'entente pourrait aboutir à un consensus mutuellement acceptable.

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En ce qui concerne les préoccupations de Mahoney sur les artistes de la danse à partir d'une base de techniques codifiées - maîtrise technique et connaissance contextuelle approfondie de celles-ci - les éducateurs en danse peuvent encadrer leurs programmes de manière à inculquer d'abord cette base à leurs étudiants, puis à les guider vers quelque chose de plus qui leur est propre. Pour Kozuka, naviguer dans ces dynamiques d'identité stylistique revient à chaque artiste d'approcher avec son meilleur jugement, sa plus grande intégrité et sa pleine authenticité personnelle. Cela se multipliera vers l'extérieur pour créer un monde de la danse qui fait de même.

Stanfield croit que «les danseurs sont attirés par un travail qui résonne avec eux… nous sommes attirés par les expériences et les styles qui nous nourrissent et nous stimulent. Les étiquettes ne sont pas nécessairement aussi significatives pour nous qu’elles le sont pour d’autres types de personnes, et nous pouvons apporter une réflexion flexible à diverses situations. Avec un bon jugement, l'intégrité, l'authenticité et la flexibilité de la pensée, nous pouvons naviguer dans des dynamiques délicates - même celles aussi délicates que l'identité stylistique, l'image de marque personnelle de l'artiste de danse, la tradition contre l'individualité, etc. Faisons cela!

Par Kathryn Boland de La danse informe.

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