«Hiveland» de Luminarium Dance: un monde interprétable

«Hiveland» de Luminarium Dance: un monde interprétable

Commentaires Devon Colton, Melenie Diarbekirian et Katie McGrail. Photo de Nicole Tomaselli. Devon Colton, Melenie Diarbekirian et Katie McGrail. Photo de Nicole Tomaselli.

Centre des arts multiculturels, Cambridge, Massachusetts.
21 septembre 2018.

Certains des meilleurs arts laissent une place ouverte à l'interprétation - pas assez pour manquer de direction, mais suffisamment pour offrir aux membres du public quelques chemins qu'ils peuvent emprunter. Il présente des questions sans prescrire une réponse absolument «correcte». Luminarium Dance’s Hiveland , chorégraphié par les directeurs artistiques Merli V. Guerra et Kimberleigh A. Holman, illustre un tel art. Bien que certains aspects sur les niveaux de la structure et du mouvement de la phraséologie puissent être corrigés, le travail dans son ensemble a été conçu de manière réfléchie, stimulant la réflexion et esthétiquement convaincant. Je pouvais voir la mission de la compagnie basée à Boston en action «Luminarium est plus qu’une compagnie de danse. … C'est un think tank, un musée, une galerie de danse contemporaine et d'idées contemporaines »( luminariumdance.org ) le travail a plongé dans de grandes idées et exploré un territoire passionnant.

Jess Chang et Katie McGrail. Photo de Nicole Tomaselli.

Jess Chang et Katie McGrail. Photo de Nicole Tomaselli.



Le mystère pesait lourd dans l'air depuis les premières lumières qui brillaient, les premières notes retentissaient et les premiers mouvements. Un groupe de danseurs, vêtus de noir, se tenait hors de la scène. Ils ont encerclé leur torse avec les bras tendus au-dessus de leur tête. À d'autres moments, ils allaient dans diverses directions, comme s'ils cherchaient. Le beau travail gestuel est devenu expansif en se déplaçant dans plusieurs plans dans l'espace, par exemple, un bras tendu vers le haut tandis que l'autre tendu vers l'avant à hauteur d'épaule - une quatrième position manipuléeport de bras. Le thème de la chute et de la récupération, de la perte de contrôle, puis de sa reprise, est également devenu évident.

Une lumière a brillé de la droite de la scène, apportant le sentiment que les danseurs pourraient ne pas être en mesure de vraiment voir ce qu'ils cherchaient. La musique (du compositeur Christos Zevos) était juste assez atonale pour contribuer à cet air de mystère, tout en s'arrêtant de faire grincer les oreilles. Tout aussi mystérieuse, une forme à six faces est tombée d'en haut, pour atterrir au centre de la scène. Cette forme semblait avoir une puissance inexplicable, les danseurs en paraissaient à la fois en avoir peur et attirés par elle.

Ils dansaient, et de temps en temps, un artiste se rapprochait de la forme, se rapprochant dans une hésitation intriguée mais effrayante. Une partie du travail des partenaires a suivi. Le couple de danseurs était engagé et intrépide, mais le mouvement manquait d'aisance et de profondeur de nuance ailleurs dans la pièce.

Enfin, un danseur est entré à l'intérieur de la forme. Elle n'a pas été blessée, ni soudainement manquée de maîtrise de soi, ni subitement ressentie d'un autre effet négatif. Je me demandais si on aurait pu faire plus de ce moment, dramatiquement parlant, compte tenu de la tension mystérieuse construite autour de cette forme. En tout cas, elle est sortie, et l'action de danser a continué.

Le groupe se regroupe autour d'Amy Mastrangelo. Photo de Nicole Tomaselli.

Le groupe se regroupe autour d'Amy Mastrangelo. Photo de Nicole Tomaselli.

Une image frappante qui a suivi était celle d'un danseur tenant une main au centre de la forme tout en courant, comme un cheval dans un manège de film à suspense. Puis, un autre danseur s'est élevé au-dessus d'elle, faisant des cercles dans les bras comme pour créer un halo - un ange au-dessus de sa tête. Bien que je ne sois pas tout à fait sûr de savoir comment ce moment s'intègre dans l'atmosphère générale et le mystère autour de cette forme à six faces, c'était une belle image et un moment d'harmonie.

Au fur et à mesure que l’action se poursuivait, la forme semblait gagner en puissance, soudain, un danseur y était attiré mais ne pouvait pas pénétrer l’espace au-dessus de la forme sur le sol. Ensuite, les danseurs ont tenté de s'éloigner de l'espace pour se rapprocher d'eux-mêmes - mettant en place une mentalité de groupe «one-ups-manship» qui serait un thème prédominant dans le reste de la pièce. Le roman emblématique Seigneur des mouches , qui plonge dans le désir humain de pouvoir et de conquête lorsque nous coexistons en groupe, m'est venu à l'esprit. Après cette poussée et cette lutte pour la domination, les danseurs se sont dispersés en groupes en haut de la scène.

magazine d'enfer sur les talons

Ces amas sont devenus des lignes, et les lignes sont devenues des groupes plus petits qui ont traversé la scène en diagonales. Les transitions entre les formations étaient aussi convaincantes et sans couture que le phrasé - un mélange fluide de virages, d'extensions et de jeux de jambes. Les sauts arabesques sont devenus des virages à la seconde, atterrissant dans un plié profond en seconde position. Les danseurs étaient si commandants, et le mouvement si convaincant, que cette section m'a donné envie de plus de sections avec ce type de virtuosité dans l'œuvre (même si ce n'était en aucun cas la seule section de ce type, mais peut-être la plus mémorable).

Un autre élément intriguant en jeu ici était l'utilisation de petits points rouges, dans une forme à six côtés - tout comme la forme plus grande. Les danseurs étalent ces points autour de l'espace à différents endroits. Je me suis demandé si ceux-ci représentaient une sorte d'énergie ou de sentiment, une autre signification mystérieuse, ou étaient simplement un ajout esthétique. Un aspect similaire était les ajouts de costumes en forme de protège-tibias rouges, que les danseurs enfilaient d'une manière ou d'une autre en traversant la forme hexagonale (qui, à ce moment-là, avait un tissu noir drapé). Une interprétation est que cette forme à six côtés faisant partie d'un nid d'abeille dans une ruche, tous les éléments de l'œuvre se réunissaient pour créer un monde de cette ruche - d'où le titre, Hiveland .

Devon Colton, Jennifer Roberts, Melenie Diarbekirian et Alison McHorney avec la société. Photo de Nicole Tomaselli.

Devon Colton, Jennifer Roberts, Melenie Diarbekirian et Alison McHorney avec la société. Photo de Nicole Tomaselli.

Pourtant, tous ces éléments semblaient assez ouverts à d'autres interprétations. Les membres du public pouvaient apporter leur propre imagination, leurs intérêts et leurs craintes au travail. La musique, le mouvement, l'éclairage et les accessoires - tous ces éléments avaient le potentiel d'animer ces imaginations, pensées et sentiments. De nouvelles couches de mystère étaient exposées à chaque nouvelle section. Une section avec une nouvelle couche de mystère aussi claire était un duo, une se déroulant principalement sur le sol - ce qui la rendait beaucoup plus basse que la plupart des danses de la pièce. Une danseuse s'est drapée sur le dos de son partenaire et ils ont roulé en boule. Le mouvement pur et les lois de la physique semblaient être les aspects les plus significatifs en jeu ici.

Il y avait aussi des moments plus personnels tels que se coiffer et se coiffer mutuellement - dont certains sont devenus humoristiques. Cela m'a donné envie de plus de moments d'humour et de cœur dans le travail, mais ce n'était peut-être pas son poids atmosphérique et émotionnel. Une section de trio intrigante a suivi ce duo, apportant ce sentiment de «jeu de puissance» de mentalité de groupe. À un moment donné, une danseuse avait le pied sur le dos d'un autre danseur, qui était plié vers l'avant avec une colonne vertébrale arrondie. Alors qu'elle empilait sa colonne vertébrale, la danseuse avec son pied sur le dos avait une croissance de plus en plus élevée. Au fur et à mesure de sa stabilité et de sa flexibilité, elle a atterri ce pied-à-terre pour prendre une solide deuxième position plié.

À un autre moment, deux danseurs ont forcé le pied d’un troisième danseur sur un point rouge, et elle n’a pas pu enlever ce pied. Son mouvement évoquait ici l'expression et l'expansion au milieu de la constriction. D'autres sections de groupe ont eu lieu, avec des vêtements rouges supplémentaires - différentes variantes de gilets et de chemises. L'individualité de ces vêtements était rafraîchissante, étant donné le manque général d'individualisation des danseurs séparés dans l'œuvre.

Pourtant, un danseur n'a jamais enfilé un vêtement rouge. À un moment donné, tous les autres danseurs se sont rassemblés autour d'elle - ne semblant pas violents mais se sentant certainement menaçants. Ce moment parlait de l'isolement et du fait de devenir menaçant pour un groupe majoritaire, inhérent à l'expérience d'être un étranger. Bientôt vinrent des sections à l'unisson plus impressionnantes et frappantes - encore une fois, me donnant envie de plus de cette virtuosité dans l'œuvre. Le geste nuancé rencontre la force dans une phrase de se pencher en plié et de pousser les paumes vers l'avant.

Jennifer Roberts (soliste) au milieu de la compagnie. Photo de Nicole Tomaselli.

Jennifer Roberts (soliste) au milieu de la compagnie. Photo de Nicole Tomaselli.

La chute et la reprise du début sont revenues avec un mouvement comme une arabesque qui tournait en porte-à-faux jusqu'à se déséquilibrer, pour revenir ensuite à l'équilibre alors que les danseurs plongeaient dans le palier.

Cette action se termina alors que les danseurs se rassemblaient à droite de la scène, autour de la forme de pentagone, qui avait refait surface, drapée de tissu noir. Les danseurs ont atteint pour sortir avec des brassards bleus. Un peu d'action a commencé, puis les lumières se sont éteintes. Je me suis retrouvé avec de nombreuses questions et je voulais du temps dans le travail avec les danseurs portant ces brassards pour répondre potentiellement à ces questions.

Peut-être que le but ici était un sentiment de continuité, qu'une telle action se poursuive dans ce groupe de danseurs - qui qu'ils soient ou quoi qu'ils représentent. Comme pour le reste du travail, peut-être certaines parties de l'approche pourraient-elles être reconsidérées, mais - dans l'ensemble - l'esthétique et les grandes idées en jeu m'ont laissé intriguée. J'avais des questions, plutôt que des réponses prescrites. L'art capable de laisser le public dans cet état nous fait continuer à chercher nous-mêmes les réponses, et la vie devient d'autant plus intrigante.

Par Kathryn Boland de La danse informe.

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