NACHMO Boston 2018: Tant de choses que la danse peut être!

NACHMO Boston 2018: Tant de choses que la danse peut être!

Commentaires Shejith Krishna «Nandi Chol» de Shejith Krishna. Photo par Olivia Blaisdell.

Le complexe de danse, Cambridge, Massachusetts.
10 février 2018.

Si vous demandiez à une personne au hasard dans la rue ce qu'elle imagine lorsque vous dites «danse», que pensez-vous qu'elle répondrait? Vous pourriez peut-être rencontrer un danseur ou un passionné de danse ayant reçu une formation générale, mais il est fort probable que cette personne moyenne se représente la danse de salon sociale, le ballet classique ou la danse contemporaine «sombre» et «angoissante». La culture occidentale, en diffusant si largement ces images et ces idées de ce qu’est la «danse», a réduit la conception de l’homme moyen du vaste océan de possibilités et établi la création, c’est-à-dire la danse.

Le NACHMO de Boston a été une force pour lutter contre ce type de vision étroite, en offrant un large éventail de styles de danse et de prises de qualité. «NACHMO» est une abréviation croustillante de «Mois national de la chorégraphie». Pour ce spectacle, les chorégraphes devaient créer et peaufiner leurs pièces en moins d'un mois. Les 12 pièces étaient remarquables et accomplies à leur manière, mais cette revue se concentrera sur les plus significatives et les plus mémorables d'entre elles.



Margaret Wiss

«To by Two» de Margaret Wiss. Photo par Olivia Blaisdell.

La première de ces pièces, «To by Two» (chorégraphiée par Margaret Wiss et dansée par Nora Buonagurio, Katy Esper), a vécu et respiré à travers un cadre intrigant et unique. La seule partition était la respiration et la parole de deux danseurs. En bas à gauche, ils étaient éclairés en diagonale depuis le haut à droite. Des costumes simples et noirs correspondaient à cette esthétique sombre et épurée. «Inspirez, expirez» ont-ils commencé, avec un mouvement dans et hors de l’espace négatif de l’autre. Leur discours s'est transformé en mots directionnels, combinés avec «inspirer» et «expirer» - «remonter», «traverser». D'un ton imposant, cela ressemblait aux instructions d'un chorégraphe - une répétition de danse! Cela semblait assez «méta» (l'art commentant sur lui-même), et (sans doute) pas entièrement lié aux non-danseurs, jusqu'à ce qu'un danseur commence à courir.

Le travail a alors semblé transformer le sens en la nature cyclique de la vie - des directions aller et retour, mais des modèles tels que notre respiration même cohérents quelle que soit la façon dont nous pouvons nous déplacer. Il faudrait demander aux artistes de savoir si telle était leur intention, mais elle est poignante à trouver. Le mouvement tout au long était tout aussi frappant - multi-vitesses, multi-qualité, multi-dimensionnel, et évidemment fidèle aux meilleures inclinations naturelles des corps des deux danseurs. La fin a amené un discours plus long d'un danseur - une définition unique de «expirer» qui semblait renforcer cette idée de la force vitale de la respiration cyclique sous-jacente à tout ce que nous faisons. Tout ce sens est venu d'un simple discours et de deux corps en mouvement!

Shejith Krishna

«Nandi Chol» de Shejith Krishna. Photo par Olivia Blaisdell.

danseurs de claquettes hip hop

Deux morceaux plus tard est venu un duo de traditionnel Bharatanatyam , «Nandi Chol» (chorégraphié par Shejith Krishna et dansé par Revat Masilamani, Soumya Rajaram) - tout aussi frappant, mais d'une manière différente. L'authenticité est venue de l'ornementation du costume, de l'équilibre élégant et de la maîtrise propre de la pose et des transitions. Ce critique n’est pas totalement familiarisé avec la technique, mais il semble qu’ils ne soient jamais tombés en décalage. Il y avait une merveilleuse harmonie de netteté et de douceur.

Les membres du public pourraient également apprendre de petites informations sur la forme de danse classique et ses vêtements traditionnels. Nous pourrions réaliser que les carillons de cloche provenaient de bracelets de cheville cloutés, par exemple. De minuscules cymbales peuvent être situées à l'arche de leurs pieds. De cette façon, la pièce était à la fois éducative et divertissante - et aucune des deux ne devait nuire à l'autre.

Kristin Wagner et Tony Guglietti dans

Kristin Wagner et Tony Guglietti dans «fold». Photo par Olivia Blaisdell.

Tony Guglietti et Kristin Wagner ont ouvert le deuxième acte avec «fold». Ils se sont assis à une table à cartes sans ornements. La musique instrumentale pour piano a commencé, «3 312» par Mike Wall. Un va-et-vient, une lutte de force de volonté, a commencé - les paumes et les avant-bras ouverts ne bougeant que pour être pris dans les paumes ouvertes et les avant-bras de l'autre. Leur timing avec ces actions, bloquant le mouvement de l'autre, était impeccable. Ils ont rapidement fait le tour de la table, en état d'alerte, et ont échangé des sièges. Elle a déménagé seulement pour lui faire épingler son dos à la table. Puis elle s'est levée dessus - forte, résiliente, invaincue. Elle est tombée, en ligne droite, et il l'a rattrapée.

Cela se produisit encore quelques fois - tombant de ses genoux, se recourbant vers le genou plié - jamais avec un soupçon de peur ou d'hésitation de Wagner. Avec cela, il y avait une tendresse qui sapait toute vision de lui comme un méchant - et même la nature contradictoire de leur relation qui semblait si évidente au début. C'était bien plus compliqué que ça. Et c'est ainsi que l'amour, et toute relation étroite, l'est. Wagner et Guglietti ont parlé de tout cela avec élégance et nuance, le tout dans un mouvement et une structure simples. Il y avait là une économie poétique. Ils ont également offert quelque chose qui est devenu universel dans sa spécificité. Une grande partie du meilleur art l'est vraiment.

Deepa Srinath

'Un Padam et un Thillana' de Deepa Srinath. Photo par Olivia Blaisdell.

Une autre Bharatanatyam morceau est venu ensuite, «Un Padam et un Thillana» de Deepa Srinath. Elle a commencé par une explication orale des deux formes de base du style de danse classique, la narration et le mouvement pur, et qu'elle offrirait un segment de chacune dans son travail. Cela aurait peut-être été utile avant la première pièce du style, mais cela a néanmoins été utile. La musique était également un peu plus modernisée que dans la première pièce, et son style un peu plus théâtral - mais tout semblait encore assez authentique. Son mouvement était précis mais plein d'aisance, et sa voiture royale et fière. Avec la première pièce, les membres du public ont pu voir que cette forme de danse classique peut être très riche.

Rebecca McGowan

«Slip Jig» de Rebecca McGowan. Photo par Olivia Blaisdell.

Un morceau de danse irlandaise est venu deux danses plus tard, «Slip Jig» de Rebecca McGowan. Elle infusait chaque pas avec une joie facile, correspondant à la même qualité dans son sourire. Elle a mangé de l'espace scénique, voyageant sur toutes les diagonales et lignes différentes. En regardant de près, on pouvait voir de petits accents intrigants et inattendus - comme tourner les talons vers l'extérieur. Elle était précise avec tout ce jeu de jambes, mais toujours pleine de cette joie joyeuse. Elle a offert beaucoup de plaisir, que ce soit en regardant de près ou en général sa danse. La pièce était une autre couche sur le potentiel des membres du public à commencer à voir à quel point la danse peut être.

Vient ensuite un solo de Juliana Utz, «The Valley of the Shadow» dansé par Melenie Diarbekiria - basé sur la technique du ballet, mais avec une qualité contemporaine de libération et d'ancrage. Elle portait des pointes, mais l’élévation possible n’a pas dominé le mouvement ni la sensation de la pièce. Sa longue jupe rouge gonflée ajoutait de la taille et de la dimension à ses fortes extensions. Une chemise blanche à volants et à manches longues ajoutait une élégance classique.

Melenie Diarbekiria

La «Vallée de l’ombre» de Melenie Diarbekiria. Photo par Olivia Blaisdell.

Un sentiment de tension et de conflit était également présent - à travers un phrasé multidirectionnel, ses accents tranchants (entrecoupés de mouvements plus doux) et une livraison dramatique. Nous ne connaissions pas la source de la tension, mais le sentiment est certainement relatable. C'était une autre couche de ce que la danse peut être pour les membres du public.

La dernière pièce, «Here», chorégraphiée par Brenna Bannister et dansée par un ensemble de sept danseurs, a terminé le spectacle sur une note de joie, d'amitié et d'unité. Cela a commencé par paires, chaque membre du couple se faisant face. De la musique pop brillante et des chemises de couleurs différentes tout aussi vives ont fait un arc-en-ciel de la scène. Une bonne partie du mouvement à l'unisson, dans un vocabulaire jazz parsemé de flow contemporain, s'intègre bien dans cette ambiance énergique. Les sauts flottaient, les extensions explosaient et le jeu de jambes était net. Tout cela semblait être une modernisation de la danse jazz, qui semblait rester fidèle à la forme classique - que beaucoup de conversations dans le monde de la danse ont été autour de trouver.

Brenna Bannister

«Ici» de Brenna Bannister. Photo par Olivia Blaisdell.

Ils sont sortis des paires et ont traversé d’autres formations frappantes - comme s’étendre les uns sur les épines les uns des autres en cercle, chacun offrant et recevant un soutien. Ils ont terminé la pièce de la même manière, mais en ligne. Un lyrique de fin de la chanson a souligné ce sentiment de soutien - «Je serai là pour vous!». Avec tout ce qu'elle offrait, la pièce n'était qu'un point de plus brillant et unique sur la vaste tapisserie à motifs multiples qu'elle est danse, dans toutes ses possibilités. NACHMO Boston l'a clairement expliqué à tous les membres du public - passionné de danse chevronné, spectateur pour la première fois et tout le monde entre les deux. S'ils reviennent au théâtre, ce qu'ils peuvent y apprécier est illimité!

Par Kathryn Boland de La danse informe.

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