«The Missing Door» du Nederlands Dans Theater va au-delà du divertissement

«The Missing Door» du Nederlands Dans Theater va au-delà du divertissement

Commentaires Théâtre Nederlands Dans à Gabriela Carrizo Nederlands Dans Theater dans «The Missing Door» de Gabriela Carrizo.

Centre de New York, New York, NY.
6 mars 2020.

Alison Chase

Sous la direction du directeur / chorégraphe de la maison Paul Lightfoot et du conseiller artistique / chorégraphe de la maison Sol León, le Nederlands Dans Theatre a célébré ses 60 anseanniversaire en tant que compagnie du 4 au 7 mars, au centre-ville de New York, dans une salle comble. Le programme a duré près de trois heures avec deux entractes et se composait des premières américaines de trois pièces relativement longues: La porte manquante (2013), chorégraphié par Gabriela Carrizo Marcher le démon (2018), chorégraphié par Marco Goecke et Fermer les yeux (2016), chorégraphié par León et Lightfoot.



La porte manquante a ouvert le spectacle avec une vitalité artistique robuste et une chorégraphie expérimentale que le reste de la soirée s'est avérée incapable de vivre. La pièce commence par ce qui ressemble à une fin: une femme morte étalée sur le sol suivie d'une tentative de nettoyage, de remise à zéro. L'humour dépasse rapidement la gravité de ce qui a dû se passer auparavant quand une serviette à main peu maniable se débat avec l'homme en costume qui la tient et il commence à tourner hors de contrôle, tournant sur son genou à la vitesse d'un patineur olympique.



Entrez une femme de chambre avec un fauteuil, complétant l'ensemble presque monochrome de portes, fenêtres et appliques grises brisées uniquement par un abat-jour jaunissant rappelant un hôtel étrange. Accompagné d'un son inquiétant et bourdonnant, l'ensemble est utilisé ingénieusement tout au long de la pièce, les danseurs regardent à travers la fenêtre maculée alors que les scènes se déroulent, des doigts gourmands suintent à travers les montants de porte et des ombres qui se profilent peignent les murs. Une puissante lumière industrielle sur roues va et vient également du plateau, envoûtant et aveuglant pour les danseurs et le public, et imprégnant occasionnellement le soundcore de son buzz.

Les moments forts de la comédie dépendent en grande partie de choses faciles rendues difficiles: le léger rendu lourd, le banal réinventé. Un danseur n'arrive pas à retirer son manteau et une lutte prolongée s'installe entre lui et le vêtement indiscipliné. Une autre danseuse ne peut pas marcher en talons et le public à moitié grimace à moitié rire alors qu'elle fait rouler ses chevilles encore et encore, tâtonnant vers un homme qui la guide à bras ouverts comme un parent apprenant à son enfant à marcher ou à nager.



D'autres moments comiques incluent des danseurs frappés par des portes alors qu'ils s'ouvrent, une soudaine rafale de vent balayant des papiers froissés sur la scène et emportant presque le plâtre, et une illusion particulièrement émouvante dans laquelle une danseuse semble contrôler l'ouverture grinçante et fermeture de diverses portes avec sa jambe à talons, qui est allongée verticalement lorsqu'elle est assise dans le fauteuil.

Les plus hilarantes et impressionnantes sont les vignettes où le décor tremble et les danseurs réagissent exactement au rythme et à l'intensité du tremblement, qui est initialement causé par une bagarre avec une touche obstinée. Au fur et à mesure qu'ils perdent le contrôle, l'ensemble semble trembler de lui-même. Au cours d'une telle vignette, les secousses se transforment en un dialogue en dés: «m-o-t-h-e-r-f-u-c-k-e-r».

Pour tout son humour, La porte manquante est décidément une pièce sombre et chargée d'émotion. D'un duo rapey avec un homme saisissant une femme par l'entrejambe, créant le contour fantomatique d'un phallus sous sa robe sarcelle fluide et la contrôlant comme une poupée, au son d'un rire menaçant et de pleurs éclairés, à une finale physiquement abusive dans laquelle le décor commence à s'autodétruire comme le font les relations entre les danseurs, Carrizo est clairement à la recherche de quelque chose de bien plus que des rires insignifiants et de la violence flashy. En décrivant son travail, elle dit: «J'essaie constamment de chercher de nouvelles perspectives pour rendre visible le monde mental parallèle, un monde dans lequel les peurs hyper individuelles, l'oppression, les fantasmes et les constructions de pensée des personnages et des artistes se brisent dans une relation sociale régulière. . »



Lorsque la pièce se termine par un retour à l'image initiale, nous sommes confrontés à une question incontournable: s'agit-il d'un cycle? Et de plus, qu'est-ce qui sera différent la prochaine fois? Quel est l'impact cumulatif de tous ces dégâts? Alors que nous réfléchissons à ces questions existentielles, un projecteur émouvant prend chaque danseur au dépourvu pour des arcs, un par un, et nous sommes temporairement apaisés par la délicieuse extension d'un monde que nous commençons à peine à saisir.

Théâtre Nederlands Dans à Marco Goecke

Théâtre Nederlands Dans dans «Walk the Demon» de Marco Goecke.

Le suivant dans le programme était Goecke Marcher le démon , qui a utilisé la musique de divers artistes et a présenté la voix radicale d'Antony and the Johnsons. Alors que la musique et le mouvement auraient pu fonctionner seuls, ils ne semblaient pas tout à fait s'accorder. La chanson d'amour fluide et générique contrastait avec le mouvement rapide comme l'éclair et inhumain d'une manière qui semblait involontaire et inefficace.

Smoke quitte langoureusement la scène au début de la pièce, et le vocabulaire du mouvement Mach Five est immédiatement établi et reste remarquablement cohérent tout au long. Imaginez des gestes fins comme un rasoir. Maintenant, essuyez toute réverbération et jaillissement. Remplacez-le par de la géométrie, avec des mains lames et griffues, des visages contorsionnés et des attitudes de dos tranchantes, avec des formations biaisées face à l'avant et un animalisme à l'unisson. Même la respiration est synchronisée.

Ajoutez à cela des chuchotements prodigieux, des cris en langues étrangères, un échange de cris, et (malheureusement) des câlins aléatoires et des baisers fictifs et spastiques. «Toute vie et amour est un merci, bonjour et au revoir… Tout est nouveau», disent les danseurs. Nous apercevons également une silhouette obscure - un homme en costume de gorille? - ramper en arrière-plan. Le démon lui-même? Comment ce symbole et ce langage s'intègrent-ils avec le reste de ce monde dépareillé? On nous donne quelques indices, laissés à tâtons pour nos propres conclusions.

L'armée de danseurs est incontestablement impressionnante, et en plus de fournir une preuve corporelle du poids de la vitesse - du pouvoir de la vitesse de dépasser l'originalité du mouvement, de rendre même la chorégraphie la plus élémentaire intéressante (bien que la grande majorité de la chorégraphie de Goecke ne soit en aucun cas basic) - ils sont la meilleure chose à propos de la pièce. Malgré l'habileté étonnante des danseurs et l'impossible rapport mouvement par seconde qu'ils sont facilement capables de maintenir, un soupir de soulagement a submergé le public lorsque la pièce, qui avait considérablement dépassé son accueil, s'est finalement terminée.

Théâtre Nederlands Dans à Sol León et Paul Lightfoot

Théâtre Nederlands Dans à Sol León et «Shut Eye» de Paul Lightfoot.

La dernière pièce, Fermer les yeux , a achevé la spirale descendante du programme. Apparemment dirigé par la citation «Je ferme les yeux pour voir» par le plasticien français Paul Gaugin et guidé par des questions sur la nature des limitations perceptives et émotionnelles (formulées de manière ambiguë dans le programme pour faire paraître à tort la sensation et l'émotion mutuellement exclusives) , La pièce de León et Lightfoot est apparue comme une garble insignifiante de virtuosité monotone. Les «significations symboliques derrière l'utilisation dynamique du noir et blanc, la lumière et l'ombre respectives» ressemblaient beaucoup à une chorégraphie technique non motivée mise en scène sur un décor astucieux avec de jolies danseuses et un concepteur d'éclairage impressionnant.

La pièce commence par une lune projetée sur un décor sombre, centrée sur une porte d'où vont et viennent les danseurs en tenue de soirée genrée. La chorégraphie repose fortement sur le partenariat et consiste principalement en un mouvement large et radical - un contraste frappant avec la pièce précédente - à partir duquel des éléments techniques se dressent régulièrement, parfois de manière transparente, d'autres fois de manière inharmonieuse, presque toujours avec une importation artistique discutable. On se souvient du motif le plus mémorable pour son goût de fromage: un point, parfois accompagné d'une exclamation, 'Là!' Le vocabulaire cliché est celui de l'exploit pointu, de la marche au ralenti et du jeu d'ombres, et il y a peu ou pas de chimie détectable entre les danseurs.

Selon le réalisateur Lightfoot, l'élément fédérateur du programme City Center était une concentration sur la danse en tant qu'art au-delà du divertissement: «Il y a des messages poétiques plus profonds dans toutes les pièces.» Pour un programme faisant cette affirmation, en dehors du génie de La porte manquante , tout cela me paraissait assez divertissant. Je suis parti avec le sentiment irrésistible que ce n'était qu'une danse. Une tentative de continuer à occuper des sièges. Je serais heureux d’avoir tort.

ressortissants de célébrités en mer

Par Charly Santagado de La danse informe.

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