Un mot, un danseur: «Evening of Solos» de la BalaSole Dance Company

Un mot, un danseur: «Evening of Solos» de la BalaSole Dance Company

Commentaires Roberto Villanueva. Photo par Eric Bandiero. Roberto Villanueva. Photo par Eric Bandiero.

Théâtre Ailey Citigroup, New York, NY.
17 août 2019.

Moins peut être plus, disent-ils. Appliquez cela à la danse, et on pourrait discuter de la façon dont l'impact d'une seule personne en mouvement - dans sa signature de mouvement unique, sa vie émotionnelle et simplement son humanité - peut parfois remplacer celui d'un grand groupe de danse. Poursuivant cette idée de moins être plus, Roberto Villanueva, directeur exécutif et artistique, et fondateur de BalaSole Dance Company, a créé un concept de lier une danse avec un danseur à un mot pour Gamme - Une soirée de solos . La compagnie s'efforce de «combler les lacunes dans le domaine de la danse de concert».

Compagnie de danse BalaSole. Photo par Eric Bandiero.

Compagnie de danse BalaSole. Photo par Eric Bandiero.



Plus pour certaines pièces que pour d'autres, le mot a ajouté un contexte et une signification plus claire à son solo particulier. Les performances étaient notamment engagées, habiles et sûres d'elles. Tous les solos ont été auto-chorégraphiés, dont les inconvénients sont réels (comme la difficulté de se critiquer en dansant). Pourtant ces solos ont démontré une authenticité à chaque danseur dans son ensemble - dans le corps et dans l'esprit - qui a démontré un avantage sincère à faire travailler sur soi dans la vérité, personne ne peut mieux vous connaître.

Kat Bark's Pas bon au revoir est venu après un numéro de groupe d'ouverture. Le mot du solo était «désir». Bark a pleinement apporté le sens de ce mot à travers la passion, le pathétique et la douleur étaient clairs. Je devais garder à l'esprit les enjeux du chagrin et de la perte pour ne pas trouver la performance et la chorégraphie un peu mélodramatiques. Pourtant, étant donné ce thème, quelque chose de moins émotif et dramatique aurait semblé insuffisant et même inauthentique. Elle commença à faire face au dos, se levant lentement, et en un éclair se tourna vers l'avant. C'était si elle décidait de faire face à son chagrin.

Une grande partie du mouvement était gestuelle, intuitive pour le corps de Bark et convaincante dans sa nuance. Une grande partie était également assez virtuose, exécutée avec une facilité technique frappante. Par exemple, des moments de haut vol dans des virages en tonneau l'ont amenée loin à travers la scène et bien au-dessus. Après un grand saut pour se lever et se retourner attitude , elle a atterri avec un bras levé. Elle les laissa ensuite aller le bras pour le laisser se balancer, son regard quant à lui intensément en avant.

Ce moment était un exemple des qualités claires de la pièce - une fusion habile du technique et du piéton, et le sentiment qu'elle était émue par quelque chose hors de son contrôle. En effet, on ne contrôle pas son propre chagrin, on ne peut pas décider s’il le ressent ou non. Je me demandais si ce concept d'être déplacé par quelque chose en dehors de soi pouvait être matérialisé encore plus clairement, avec plus de temps et d'exploration. J'aurais hâte de voir ce travail.

Leigh Schanfein. Photo par Eric Bandiero.

Leigh Schanfein. Photo par Eric Bandiero.

Le solo de Leigh Schanfein, Un bourdonnement sous-jacent , est arrivé cinquième. Elle a commencé dans une position de ballet très élevée et fière. Puis, en un éclair, elle s'est transformée en quelque chose que l'on pourrait dire est exactement le contraire - courbé, tordu, tourné vers l'intérieur. Ce développement précoce a donné le ton et clarifié le sens de la pièce à venir. De jolies arabesques, une ligne longue et doucement énergisée, froissées dans cette même sorte de forme déformée et incurvée vers l'intérieur. Un exemple particulièrement notable de ce changement est venu avec une chute au sol d'une position de ballet tenue haut et confiante, un bruit sourd de la chute ajouté au drame du contraste.

En tant que danseur moi-même, mon esprit a rapidement relevé le défi d'atteindre la perfection et de me sentir comme s'il fallait cacher ou éliminer les défauts en tant qu'artiste de la danse. C'est un «bourdonnement sous-jacent» qui est toujours avec nous. J'ai lié cette idée avec le mot du solo, «identité». Être danseur devient une identité claire, plutôt que de danser simplement être ce que quelqu'un fait.

Peut-être que les non-danseurs pourraient voir dans ce développement créatif, plus universellement, comment nous atteignons tous la perfection à notre manière et cachons nos luttes «honteuses». C'est difficile pour moi de savoir, n'étant pas une telle personne. Néanmoins, Schanfein a exécuté chaque mouvement et chaque changement de qualité et de forme avec conviction et engagement, elle croyait tout ce qu'elle offrait, et cela se voyait.

Tyreel Simpson. Photo par Eric Bandiero.

Tyreel Simpson. Photo par Eric Bandiero.

Venant après l'entracte, Tyreel Simpson's Sous l'instinct était un mélange irrésistible de concert hip hop et de danse contemporaine, enveloppé dans une esthétique mémorable. Le noir de son costume et le ton caramel de sa peau, contre le rouge du fond, faisaient ressortir ses mouvements et sa forme. Il se pencha profondément avec les genoux sur le côté, se leva plus haut pour tourner, puis fit un geste avec un avant-bras - le regard était attentif et clair partout.

À d'autres moments, il y avait une légèreté et une syncope dans son jeu de jambes, rappelant le groove facile dans beaucoup de danse hip hop. Il a également exécuté un mélange captivant d'accent et de fluidité, et une douceur agréable entre les deux qualités. Le mot pour le solo était «révélateur». J'avais l'impression qu'il se tenait dans la force de lui-même, tel qu'il est, révélant cela au public sans peur et sans excuses.

Stephanie Rae Williams. Photo par Eric Bandiero.

Stephanie Rae Williams. Photo par Eric Bandiero.

La soliste invitée Stephanie Rae Williams a clôturé le spectacle. Verdoyant . Le titre signifie feuillu, luxuriant, vert et en croissance. Le vert dans son costume et sur le cyc reflétait ce sens. La vivacité du membre de la compagnie Dance Theatre of Harlem dans la qualité du mouvement a également concrétisé cette idée. Le mot du solo était «funk», une qualité pleinement présente également dans l’œuvre. Ses hanches ont pivoté après avoir fait un saut, ont sauté d'un côté après un virage. Marcher sur les deux talons, les orteils vers le haut, après quelque chose de plus ballétique, a ajouté du courage et une pincée de bizarrerie - dans l'ensemble, très attachant.

Tout au long du travail, son timing était impeccable, apportant un sentiment d'harmonie très agréable entre la musique et le mouvement. Il y avait une ambiance de joie et de plaisir à la Nouvelle-Orléans «le bons temps rouler». L'œuvre offrait un petit monde dans lequel j'ai beaucoup aimé entrer pendant quelques minutes. Un danseur, évoluant dans la pleine et claire vérité de lui-même, peut aider à créer un tel monde. Pour toute la magie merveilleusement relaxante qu’un groupe de danse peut offrir, n’oublions pas la beauté authentique d’un seul danseur se déplaçant de cette manière - nous laissant entrer dans leur humanité unique et pleine.

Par Kathryn Boland de La danse informe.

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